Análisis de la película "El amor en los tiempos del Cólera" de Gabriel García Márquez

La película del Amor en los tiempos del cólera, narra como en tiempos de crisis y enfermedad puede surgir aspectos bellos y duraderos como es el caso del amor entre Fermina Daza y  Florentino Ariza; un amor que superó obstáculos, que traspasó las barreras del tiempo y el espacio, además de los prejuicios sociales que debieron enfrentar luego de su tan esperada unión, es decir, un amor verdadero.
La película contiene diferentes caracterísitcas que corresponden al pueblo caribeño (La Manga) y a las costumbres de la época, sin embargo, omite variados  aspectos de la obra que permiten una mejor representación de los acontecimientos narrados.
Gabo pretende resaltar en su obra la marcada influencia de la sociedad ante los diferentes aspectos cotidianos y como el dinero y la posición forman parte importante en la época.  Tambien muestra como la "peste" o la enfermedad que agobiaba la población, es merecedora de las clases menos favorecidas.

LITERATURA Y CINE, UNA APROXIMACIÓN COMPARATIVA

1. ¿Cuáles son las relaciones que se dan entre literatura y cine? 

R/. Según Roland Barthes, la literatura es un arte reaccionario que provoca respuestas al lector,  pero no se las da.  El cine en este plano tiene mucha proximidad con la literatura, ya que presenta dificultades para ofrecer sentidos claros al espectador  y no debe darlos, puesto que  los mejores Films son los que suspenden el sentido.   La  relación entre ellas consiste en que ambas son artes que exigen una gran técnica y una lealtad intelectual total para encontrar su significación y su sentido.

Según Carmen Peña Ardid el cine presenta una dificultad y la literatura una facilidad para representar contenidos abstractos como el pensamiento.  Carmen  argumenta que la descripción fílmica incluye muchos objetos y su “lugar común” son las imágenes y que por tanto una imagen estática como móvil, no puede ser selectiva, muestra todo lo que permite su encuadre, cayendo en posibles dispersiones de la atención del espectador y ambigüedades mientras que la literatura es selectiva en las descripciones y su “campo principal” es la palabra, la cual depende de su convención (aceptar las reglas ortográfico/gramaticales de la lengua utilizada).  Peña Ardid plantea que el mejor aporte del cine a la literatura, es la yuxtaposición de imágenes, sin embargo dice que el cine no permite la presentación de determinadas imágenes que la literatura no reprime.

Según Graham Greene (escritor inglés y crítico cinematográfico) es imposible escribir el argumento de un film sin haber escrito primero una obra literaria.  En un film, hay algo más que un argumento trazado de caracteres, un estado de ánimo y un ambiente.  Una película tiende a ser reconocida como arte de toque intelectual por la intertextualidad que tiene con la literatura;  sin embargo ésta ha sido desplazada por la superficialidad de las imágenes; por ello para plasmar una obra en un film,  no solo se debe hacer una buena lectura, sino tener una asesoría de catedráticos y profesores de lengua, literatura e historia y seguir criterios de fidelidad con el texto original.

2. Mencione las inferencias entre el medio literario y el cine

R/. La literatura cuenta a través de letras, de palabras, de frases; permite a la persona  que se convierte en lector, utilizar su imaginación para recrear lo que lee, para proyectar su propia realidad en base a la grafía que tiene frente a sus ojos.

La literatura ha inspirado a muchos, ha sido base de nuevas historias y de nuevas artes, entre ellas, de la cinematografía: el cine nació siempre de un cuento, de una idea, con un agudo desenlace al que la técnica, la forma de contarlo, daba carne y vida.

A diferencia de la literatura, el cine cuenta a través de imágenes, transfigura la calidad literaria por calidad plástica, robando de nuestra mente las representaciones que visualizamos al leer un libro. La literatura estimula la imaginación del lector en el momento ya que debe proyectar “su propia película”. El cine estimula la imaginación del espectador una vez visualizada el filme, ya que recibe imágenes ya hechas que él no fabricó, y debe imaginar a partir de ellas dejando en la persona el recuerdo de una realidad que no le pertenece.

Orozco plantea que ante los públicos receptores, en cuyo proceso de emisión y recepción se
configuran unas relaciones de poder y subordinación, las relaciones están
basadas en privilegios y desigualdades. Es de presumir que este estado de
inequidad determina las intencionalidades de los mensajes y también las
actitudes de las audiencias receptoras en sus comunidades de apropiación e
interpretación, lugares éstos donde los mensajes son resignificados.

3. ¿Quiénes colaboraron con la teoría cinematográfica y el análisis de las relaciones del cine y la literatura?

R/ El análisis cinematográfico es la disciplina que, a partir de las formulaciones establecidas en la teoría del cine, se pregunta por la especificidad estética y semiótica de los procesos y productos cinematográficos desde el punto de vista del espectador. No se limita a preguntarse qué dice una película a sus espectadores, sino que intenta responder a la pregunta  cómo una película es usada o interpretada por cada uno de sus espectadores en distintos contextos individuales y sociales.  La teoría y el análisis cinematográfico constituyen un campo del conocimiento que ha surgido y se ha nutrido a partir del estudio de una de las formas más complejas y efectivas de la comunicación social, que es el cine de ficción.

Las primeras formulaciones teóricas acerca del cine surgieron pocos años después de su invención en Francia en 1895, y durante varias décadas estas teorías tenían como objetivo general la legitimación del cine como una de las bellas artes (el séptimo arte, en la formulación propuesta en 1911 por Ricciotto Canudo). Estas teorías fueron formuladas con metodologías y conceptos provenientes, en muchos casos, de disciplinas ya establecidas, como los estudios sobre la literatura, la fotografía, las artes plásticas, el teatro, la filosofía y las ciencias sociales. Pero fue a partir de la década de 1960, con el surgimiento de la semiótica estructural y la institucionalización de los estudios cinematográficos, cuando se inicia una tradición académica que tiene como objetivo central responder de manera programática a la pregunta por la especificidad del lenguaje cinematográfico.

A partir de ese momento se inicia una tradición académica de exploración sobre los posibles métodos para el análisis cinematográfico, y se proponen los primeros modelos sistemáticos para este análisis: la gran sintagmática de Christian Metz, el itinerario del inconsciente edípico de Raymond Bellour, el método neoformalista de Kristin Thompson, la estructura mitológica en el western clásico de Will Wright, etc.).  También tienen su peso las teorías de Jean Mitry, quien en 1963 abordó la historia del cine en términos de «evolución positiva» desde la teatralidad hasta el dominio del arte del relato para traducir el flujo temporal. En su descripción de esta evolución, Mitry señala que la mayoría de las películas anteriores a 1940, pese a ser muy visuales en su forma y estilo reflejaban la influencia teatral en la dramaturgia, es decir, en la expresión mediante la imagen de una historia sometida a la finalidad necesaria del drama, a su ineluctable avance hacia un final feliz o desgraciado.

4. ¿Cual es el aporte de Vicente Molina Foie frente al cine?

 R/. Vicente Molina Foie es un Escritor y poeta español  perteneciente al denominado grupo de los “novísimos”, que se ha destacado como crítico de arte, cine y televisión y  ha realizado guiones cinematográficos y dirigido películas. Ha recibido el Premio Azorín en 1983, el Herralde de Novela en 1988 y el Nacional de Narrativa en el 2007.   Con  un grupo de amigos poetas se entornó en la revista “Cine ideal” y revolucionó la poesía española a finales de los 60 y principios de los 70.     Director  de cine y  traductor de autores como Shakespeare y Kubric,  publica unos ensayos sobre los mitos eróticos del cine Madrid, tras mezclar realidad y ficción en las novelas.

5. ¿En que ha repercutido el problema del mimetismo de la imagen?

R/. El mimetismo es una habilidad que ciertos seres vivos poseen para asemejarse a otros seres de su entorno y a su propio entorno para obtener alguna ventaja funcional.  El objeto del mimetismo es engañar a los sentidos induciendo en ellos una determinada conducta.  Los casos más conocidos afectan a la percepción visual, pero también hay ejemplos de mimetismo auditivo, olfativo o táctil.

El cine es el arte de las imágenes en movimiento y la imagen constituye el material fundamental del lenguaje cinematográfico. Es una realidad en movimiento que reúne un
conjunto de técnicas para obtener, por proyección luminosa, la restitución de movimientos registrados fotográficamente.

Al cine se llegó a través de los siguientes tipos de  mimetismo:

1)      La estroboscopia (persistencia retiniana o de la visión. Es un fenómeno fisiológico natural que consiste en que si le llega al ojo una imagen luminosa, éste conserva y retiene la impresión hasta una décima de segundo después de que la observación ha cesado y desaparece aquella.

2) La fotografía. La cámara oscura que proyecta exteriores iluminados por el sol en una habitación oscurecida, se desarrolló en el siglo XVI.

3) La proyección. La cámara oscura permitió crear la “linterna mágica”, aparato que proyectaba imágenes luminosas, que eran simples cuadros, en la oscuridad.

Jean Epstein plantea que  el movimiento constituye justamente la primera calidad estética de las imágenes en la pantalla.  Toda imagen extraída de un film carece de sentido, pues no es más que un fragmento estático e inerte de una continuidad que adquiere todo su significado en su desarrollo temporal.

La imagen tiene, en primer lugar, un contexto cinematográfico integrado a una continuidad temporal y eso determina su significado. En segundo lugar, posee un contexto mental del espectador quién dará su propia interpretación a lo que ve en pantalla, La confrontación entre imágenes contiguas es lo que da el sentido querido por el realizador.



Análisis de la película "El lado oscuro del corazón"

Análisis de la película "El lado oscuro del corazón"

Mario Benedetti quiere dar a conocer en su novela El lado oscuro del corazón", la dificil situación que vive el artista en la Argentina de su época, los sueños que como artista se tienen y que se ven frustrados por una sociedad de consumo que obliga a tener un lucro económico para la satisfacción de sus necesidades.

Oliverio, un poeta de Buenos aires que siempre ha conocido el lado oscuro del corazón trazado en la dificil situación que  le ha tocado vivir empezando por su seno familiar, de ahí que llame vaca a su mamá; luego al casarse siempre lleva la sombra a sus espaldas, su  mujer  vestida de negro representa lo oscuro del corazón, ese amor frustrado que ya no llena sus espectativas, esa sociedad que le obliga a trabajar para subsistir, esa frustración de volar y ser libre, de ver alcanzado sus sueños y sus ideales.
Oliverio siempre en busca de esa mujer que le permitiría volar, viaja a Uraguay, un régimen diferente en donde encuentra la libertad deseada, la valoración de su arte, representado en Anna, la prostituta que lo hace volar y sentir nuevas experiencias iluminando el lado oscuro del corazón.  Estos aspectos y algunos más son los que Eliseo Subiela deja ver en su film.  Los demás deben ser descubiertos por Usted!

Fundamentos para una Teoría del Cine y la Literatura

NÚCLEO PROBLÉMICO No.  1

1.       ¿Cuáles son los elementos indispensables para crear cine?

R/.  El cine se convirtió en una tecnología del poder pues organiza y le da determinados significados a la vida cotidiana. Según Rudolph Arnheinm el cine reproduce parcialmente la impresión de la realidad, una realidad creada artificialmente, para la cual se requiere de una función expresiva de la técnica cinematográfica y para la cual se hace indispensable la  implementación de elementos esenciales como:

      Los  planos: mediante los cuales la más pequeña arruga del rostro adquiere un carácter lírico

      Las imágenes

      Montaje: crea el ritmo del filme y tiene el poder intelectual de asociar ideas partiendo de una gama de posibilidades metafóricas

      Encuadre: síntesis entre la realidad objetiva y la personalidad subjetiva del artista

      Movimiento de cámara

      Elemento sonoro: permite la posibilidad de una revelación poética y logra una significación simbólica(sonido fonético, sonido musical)

      Los guiones

      Espacio o escenografías

2.       ¿En qué radica el valor histórico del cine y la literatura?

R/. Radica en la conservación de sus obras, en el significado que en el espectador pueda tener; de ahí la importancia de una educación cinematográfica que permita adquirir al espectador la capacidad de entender la película e interpretarla como una manifestación más de un momento histórico determinado, así como su capacidad para seleccionar y distinguir los elementos del argumento de una película que realmente tiene valor, de aquellos que son solamente dramáticos y que sólo sirven a la narración.

En el uso crítico que el espectador haga del cine como herramienta para enseñar o aprender, radica el verdadero valor, sin embargo ese uso exige una capacidad crítica y de selección no sólo de los elementos históricos del argumento sino también de los restantes elementos que componen la película (guión, montaje, producción, etc.) y hacer un análisis de ellos.

3.       ¿Por qué el cine no es teatro fílmico?

R/.  El séptimo arte, casi desde su nacimiento, no sólo ha mantenido relaciones con la literatura intercambiando con ella relatos, historias, argumentos, personajes, etc., sino que, en cierto modo, ha sido uno de los medios de transmisión y difusión de la misma.

Sin embargo y aunque el teatro fílmico también mantiene relación estrecha con la literatura, existen elementos que los diferencian, como es el caso del lenguaje, el cual en el teatro mantiene su expresividad artística y esteticidad, mientras que en el cine la pierde cuando adquiere su lenguaje propio y único.

El teatro fílmico es representación equivalente del género dramático, mientras que el cine es imagen audiovisual inspirada en la literatura.  El teatro abarca la obra por escenas que llevan al espectador a adquirir un interés semejante al del lector, pero  en el cine la obra se da en una sola secuencia que através de efectos sonoros y efectos especiales llevan al espectador a un interés meramente emocional y de entretenimiento según Mitry; por estas razones y algunas más es que el cine no puede ser teatro fímico.

4.       ¿Cuáles son los planteamientos de Barthes y Barbero sobre la imagen?

R/.  Según Barthes la imagen tiene una naturaleza lingüista, es representación y está llena de significados, entre los cuales el lector puede elegir a unos e ignorar a otros. La imagen produce un efecto global de yuxtaposición entre naturaleza y cultura a lo que Barthes llama fenómeno de naturalización, lo denotado parece formar parte de un nivel natural de lenguaje, mientras que lo connotado sugiere siempre un producto cultural.  Para  algunos la imagen es un sistema muy rudimentario con respecto a la lengua, para Barthes sin embargo, la significación no puede agotar la riqueza inefable de la imagen. 

Por otro lado Martín Barbero plantea la imagen como ambivalente y ambigua  marcada por el goce, la ilusión, el consumo y la abundancia. "El encanto audiovisual", se resalta en un mundo marcado por las imágenes, lo que somos es construido a partir de ellas y lo que percibimos de las demás personas también son imágenes;  éstas son condicionadas desde los medios masivos, lo que significa, según Baudrillard, es que somos|sujetos sujetados. Ahora bien: para Bourdieu, Sartori y Jameson, esto implica que no podemos llevar una propia y auténtica existencia. Martín Barbero plantea también que la imagen como forma de expresión es inestable y está fuera de control.

5.       ¿Cuál es la función que cumple el lenguaje verbal, auditivo y visual en una película?

R/. La cinematografía como tal es un lenguaje: a mayor educación fílmica más veremos y oiremos en una película y más significados encontraremos.

El lenguaje tanto verbal como auditivo y visual tiene una gran complejidad en el cine, debe estar correlacionado con cada aspecto de su contenido.  Encontramos cinco canales de información o lenguajes en una película: 1) la imagen visual 2) texto escrito 3) el habla 4) banda sonora 5) efectos sonoros, los cuales constituyen el lenguaje visual, verbal y auditivo y cada uno de ellos cumple una función específica dentro del film:

Lenguaje visual: El lenguaje visual es un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio de expresión, es decir, emite mensajes visuales. Su objetivo es informar, convencer o vender valores, ideologías, historia, etc.

Lenguaje Verbal: Este lenguaje teniendo en cuenta los planteamientos de  Jakcobson constituye la función  poética de la película,  en donde los diálogos o guiones están conformados por una sintaxis verbal única que hace que una película sea diferente de otra y le otorga el valor de real a cada imagen.  Dentro del lenguaje verbal encontramos uno no verbal, el cual está constituido por la fotografía, el movimiento de la cámara, la iluminación, el vestuario, los gestos, la ambientación, los cuales logran darle sentido al lenguaje verbal del guión.

Lenguaje Auditivo:  Este lenguaje está constituido esencialmente por los efectos sonoros de la película, los cuales tienen como función primordial, lograr el dramatismo, la sensibilidad,  la emoción y otros factores importantes a la hora de lograr la atención y el interés del espectador

6.       ¿Cómo abordar la pedagogía de la imagen?

R/. Como plantea Eco, debemos reconocer que la información actual se apoya más en la imagen que en la palabra, que ha cambiado la manera de percibir el mundo y que tiene mayor influencia en nosotros lo que se ve que lo que se lee; por tanto se hace imprescindible adoptar una pedagogía de la imagen, una concepción integral en donde se incorpore todos los contenidos educativos de ella, especialmente los cinematográficos, aprovechando el séptimo arte en toda su amplitud y la cultura mediática que lo proyecta.

Esta pedagogía de la imagen debe abordarse desde la lectura y la comprensión de la imagen, desde la interpretación del mensaje representado en ella, desde las aptitudes de obtener la máxima riqueza de ellas y la adquisición de algunos conocimientos técnicos culturales del cine para formar espectadores críticos, capaces de ser receptores activos de los valores y demás enseñanzas que la imagen y por consiguiente la cinematografía ofrece.