LITERATURA Y CINE, UNA APROXIMACIÓN COMPARATIVA

1. ¿Cuáles son las relaciones que se dan entre literatura y cine? 

R/. Según Roland Barthes, la literatura es un arte reaccionario que provoca respuestas al lector,  pero no se las da.  El cine en este plano tiene mucha proximidad con la literatura, ya que presenta dificultades para ofrecer sentidos claros al espectador  y no debe darlos, puesto que  los mejores Films son los que suspenden el sentido.   La  relación entre ellas consiste en que ambas son artes que exigen una gran técnica y una lealtad intelectual total para encontrar su significación y su sentido.

Según Carmen Peña Ardid el cine presenta una dificultad y la literatura una facilidad para representar contenidos abstractos como el pensamiento.  Carmen  argumenta que la descripción fílmica incluye muchos objetos y su “lugar común” son las imágenes y que por tanto una imagen estática como móvil, no puede ser selectiva, muestra todo lo que permite su encuadre, cayendo en posibles dispersiones de la atención del espectador y ambigüedades mientras que la literatura es selectiva en las descripciones y su “campo principal” es la palabra, la cual depende de su convención (aceptar las reglas ortográfico/gramaticales de la lengua utilizada).  Peña Ardid plantea que el mejor aporte del cine a la literatura, es la yuxtaposición de imágenes, sin embargo dice que el cine no permite la presentación de determinadas imágenes que la literatura no reprime.

Según Graham Greene (escritor inglés y crítico cinematográfico) es imposible escribir el argumento de un film sin haber escrito primero una obra literaria.  En un film, hay algo más que un argumento trazado de caracteres, un estado de ánimo y un ambiente.  Una película tiende a ser reconocida como arte de toque intelectual por la intertextualidad que tiene con la literatura;  sin embargo ésta ha sido desplazada por la superficialidad de las imágenes; por ello para plasmar una obra en un film,  no solo se debe hacer una buena lectura, sino tener una asesoría de catedráticos y profesores de lengua, literatura e historia y seguir criterios de fidelidad con el texto original.

2. Mencione las inferencias entre el medio literario y el cine

R/. La literatura cuenta a través de letras, de palabras, de frases; permite a la persona  que se convierte en lector, utilizar su imaginación para recrear lo que lee, para proyectar su propia realidad en base a la grafía que tiene frente a sus ojos.

La literatura ha inspirado a muchos, ha sido base de nuevas historias y de nuevas artes, entre ellas, de la cinematografía: el cine nació siempre de un cuento, de una idea, con un agudo desenlace al que la técnica, la forma de contarlo, daba carne y vida.

A diferencia de la literatura, el cine cuenta a través de imágenes, transfigura la calidad literaria por calidad plástica, robando de nuestra mente las representaciones que visualizamos al leer un libro. La literatura estimula la imaginación del lector en el momento ya que debe proyectar “su propia película”. El cine estimula la imaginación del espectador una vez visualizada el filme, ya que recibe imágenes ya hechas que él no fabricó, y debe imaginar a partir de ellas dejando en la persona el recuerdo de una realidad que no le pertenece.

Orozco plantea que ante los públicos receptores, en cuyo proceso de emisión y recepción se
configuran unas relaciones de poder y subordinación, las relaciones están
basadas en privilegios y desigualdades. Es de presumir que este estado de
inequidad determina las intencionalidades de los mensajes y también las
actitudes de las audiencias receptoras en sus comunidades de apropiación e
interpretación, lugares éstos donde los mensajes son resignificados.

3. ¿Quiénes colaboraron con la teoría cinematográfica y el análisis de las relaciones del cine y la literatura?

R/ El análisis cinematográfico es la disciplina que, a partir de las formulaciones establecidas en la teoría del cine, se pregunta por la especificidad estética y semiótica de los procesos y productos cinematográficos desde el punto de vista del espectador. No se limita a preguntarse qué dice una película a sus espectadores, sino que intenta responder a la pregunta  cómo una película es usada o interpretada por cada uno de sus espectadores en distintos contextos individuales y sociales.  La teoría y el análisis cinematográfico constituyen un campo del conocimiento que ha surgido y se ha nutrido a partir del estudio de una de las formas más complejas y efectivas de la comunicación social, que es el cine de ficción.

Las primeras formulaciones teóricas acerca del cine surgieron pocos años después de su invención en Francia en 1895, y durante varias décadas estas teorías tenían como objetivo general la legitimación del cine como una de las bellas artes (el séptimo arte, en la formulación propuesta en 1911 por Ricciotto Canudo). Estas teorías fueron formuladas con metodologías y conceptos provenientes, en muchos casos, de disciplinas ya establecidas, como los estudios sobre la literatura, la fotografía, las artes plásticas, el teatro, la filosofía y las ciencias sociales. Pero fue a partir de la década de 1960, con el surgimiento de la semiótica estructural y la institucionalización de los estudios cinematográficos, cuando se inicia una tradición académica que tiene como objetivo central responder de manera programática a la pregunta por la especificidad del lenguaje cinematográfico.

A partir de ese momento se inicia una tradición académica de exploración sobre los posibles métodos para el análisis cinematográfico, y se proponen los primeros modelos sistemáticos para este análisis: la gran sintagmática de Christian Metz, el itinerario del inconsciente edípico de Raymond Bellour, el método neoformalista de Kristin Thompson, la estructura mitológica en el western clásico de Will Wright, etc.).  También tienen su peso las teorías de Jean Mitry, quien en 1963 abordó la historia del cine en términos de «evolución positiva» desde la teatralidad hasta el dominio del arte del relato para traducir el flujo temporal. En su descripción de esta evolución, Mitry señala que la mayoría de las películas anteriores a 1940, pese a ser muy visuales en su forma y estilo reflejaban la influencia teatral en la dramaturgia, es decir, en la expresión mediante la imagen de una historia sometida a la finalidad necesaria del drama, a su ineluctable avance hacia un final feliz o desgraciado.

4. ¿Cual es el aporte de Vicente Molina Foie frente al cine?

 R/. Vicente Molina Foie es un Escritor y poeta español  perteneciente al denominado grupo de los “novísimos”, que se ha destacado como crítico de arte, cine y televisión y  ha realizado guiones cinematográficos y dirigido películas. Ha recibido el Premio Azorín en 1983, el Herralde de Novela en 1988 y el Nacional de Narrativa en el 2007.   Con  un grupo de amigos poetas se entornó en la revista “Cine ideal” y revolucionó la poesía española a finales de los 60 y principios de los 70.     Director  de cine y  traductor de autores como Shakespeare y Kubric,  publica unos ensayos sobre los mitos eróticos del cine Madrid, tras mezclar realidad y ficción en las novelas.

5. ¿En que ha repercutido el problema del mimetismo de la imagen?

R/. El mimetismo es una habilidad que ciertos seres vivos poseen para asemejarse a otros seres de su entorno y a su propio entorno para obtener alguna ventaja funcional.  El objeto del mimetismo es engañar a los sentidos induciendo en ellos una determinada conducta.  Los casos más conocidos afectan a la percepción visual, pero también hay ejemplos de mimetismo auditivo, olfativo o táctil.

El cine es el arte de las imágenes en movimiento y la imagen constituye el material fundamental del lenguaje cinematográfico. Es una realidad en movimiento que reúne un
conjunto de técnicas para obtener, por proyección luminosa, la restitución de movimientos registrados fotográficamente.

Al cine se llegó a través de los siguientes tipos de  mimetismo:

1)      La estroboscopia (persistencia retiniana o de la visión. Es un fenómeno fisiológico natural que consiste en que si le llega al ojo una imagen luminosa, éste conserva y retiene la impresión hasta una décima de segundo después de que la observación ha cesado y desaparece aquella.

2) La fotografía. La cámara oscura que proyecta exteriores iluminados por el sol en una habitación oscurecida, se desarrolló en el siglo XVI.

3) La proyección. La cámara oscura permitió crear la “linterna mágica”, aparato que proyectaba imágenes luminosas, que eran simples cuadros, en la oscuridad.

Jean Epstein plantea que  el movimiento constituye justamente la primera calidad estética de las imágenes en la pantalla.  Toda imagen extraída de un film carece de sentido, pues no es más que un fragmento estático e inerte de una continuidad que adquiere todo su significado en su desarrollo temporal.

La imagen tiene, en primer lugar, un contexto cinematográfico integrado a una continuidad temporal y eso determina su significado. En segundo lugar, posee un contexto mental del espectador quién dará su propia interpretación a lo que ve en pantalla, La confrontación entre imágenes contiguas es lo que da el sentido querido por el realizador.